Nella Galleria Vittorio Emanuele II, Vogue ha riunito alta moda, artigianato, celebrità, sport, danza e robot umanoidi. Più che celebrare il passato della moda italiana, lo spettacolo ha provato a capire che cosa possa ancora significare il lavoro umano mentre cambia il modo stesso di creare.
La prima cosa che ho pensato guardando le immagini di Vogue World Milano è che sarebbe stato molto facile fermarsi ai nomi. Gigi Hadid, Jennifer Lopez, Cardi B, Vittoria Ceretti, Roberto Bolle, Alicia Keys. C’erano tutti gli elementi necessari per trasformare la serata in una gigantesca macchina di visibilità, con la Galleria Vittorio Emanuele II come scenografia probabilmente irripetibile.
Eppure il punto interessante era altrove.
Il 22 settembre 2026, nel giorno di apertura della Milano Fashion Week, Vogue World è arrivato a Milano dopo le precedenti edizioni di New York, Londra, Parigi e Los Angeles. Il tema dichiarato ruotava intorno all’artigianalità e al tocco umano nell’età della tecnologia. La costruzione dello spettacolo seguiva cinque passaggi, dal patrimonio artigianale italiano alla rivoluzione industriale, dal Made in Italy all’età dell’intelligenza, fino a una proiezione verso ciò che la moda potrebbe diventare.
Detta così potrebbe sembrare la formulazione impeccabile di un grande evento internazionale. Il senso, però, diventava più concreto osservando quello che accadeva sulla passerella.
Gigi Hadid ha aperto lo show indossando un abito Valentino Haute Couture della primavera 2025, una delle prime collezioni disegnate da Alessandro Michele per la maison. Il vestito è stato realizzato utilizzando antiche trapunte veneziane riciclate e, secondo Vogue, ha richiesto 1.680 ore di lavoro manuale.
Mille seicentoottanta ore per un solo abito.
Il dato colpisce perché siamo entrati in una fase storica nella quale una parte crescente della produzione creativa viene misurata anche attraverso la velocità. Possiamo generare immagini in pochi secondi, modificare fotografie quasi istantaneamente, simulare ambienti, tessuti, corpi e campagne pubblicitarie prima ancora che qualcosa esista davvero. Tutto questo offre possibilità enormi e sarebbe poco serio liquidarle con la nostalgia per un passato idealizzato.
Ma quelle 1.680 ore introducono una questione diversa. Ci ricordano che dentro alcuni oggetti esiste ancora una quantità di tempo umano che normalmente non vediamo.
Quando guardiamo un vestito finito percepiamo la forma, il colore, il modo in cui cade sul corpo. Molto meno facilmente vediamo gli anni necessari per acquisire una competenza, la conoscenza dei materiali, le correzioni fatte durante la lavorazione, l’esperienza che permette a una mano di compiere un gesto in un certo modo.
È uno dei paradossi della moda. Celebra continuamente il risultato e tende inevitabilmente a rendere invisibile gran parte del processo che lo produce.
Vogue World, almeno per una sera, ha rimesso quel processo dentro la rappresentazione.
La moda non comunica più soltanto attraverso gli abiti
Naturalmente lo spettacolo aveva anche un’altra funzione. Doveva essere visto, fotografato, condiviso, raccontato.
La passerella ha riunito alcune delle modelle più riconoscibili della scena internazionale e numerose personalità provenienti dal cinema, dalla musica e dallo sport. Jennifer Lopez è apparsa in Dolce & Gabbana insieme al tennista Lorenzo Musetti, vestito Bottega Veneta. Cardi B ha sfilato con un abito Versace della primavera 2018 decorato con riproduzioni di copertine di Vogue. Simone Ashley indossava Tod’s, J Balvin Dolce & Gabbana, Adria Arjona Max Mara, mentre Ghali era in Gucci.
Non considero questa presenza massiccia di celebrità un elemento marginale o semplicemente mondano. Dice qualcosa di come la moda ha imparato a comunicare.
Un vestito non entra più nell’immaginario soltanto attraverso la propria forma. Entra attraverso la persona che lo indossa, ciò che quella persona rappresenta, il pubblico che possiede e la quantità di significati che porta con sé prima ancora di mettere piede sulla passerella.
Jennifer Lopez non presta semplicemente un corpo a Dolce & Gabbana. Porta con sé decenni di cultura popolare, musica, cinema, immagine pubblica e riconoscibilità globale. Un atleta come Lorenzo Musetti porta un altro tipo di rappresentazione del corpo. Cardi B ne porta un’altra ancora.
La moda utilizza questi mondi e allo stesso tempo ne viene modificata.
Per questo parlare oggi di moda limitandosi agli abiti significa raccontarne soltanto una parte. Intorno a quegli abiti si costruiscono identità, appartenenze, aspirazioni e modelli di riconoscimento. Lo spettacolo della moda è diventato parte di un’industria dell’immaginario molto più ampia, nella quale il confine tra prodotto, persona e rappresentazione è sempre meno netto.
Anche la scelta dell’abito di Cardi B era significativa. Il Versace della primavera 2018 con le copertine di Vogue proveniva dalla collezione attraverso cui Donatella Versace aveva reso omaggio al lavoro di Gianni Versace. Un archivio torna quindi in passerella attraverso una delle figure più riconoscibili della cultura pop contemporanea, dentro un evento di Vogue che a sua volta diventa parte dell’abito.
È moda che utilizza la propria memoria per produrre una nuova immagine.
Poi sono arrivati quattro robot umanoidi.
Ed è in quel momento che l’intero discorso ha cambiato prospettiva.
Il robot sulla passerella non era il problema
I robot, prodotti da Unitree Robotics, hanno percorso la Galleria durante il quarto atto dello spettacolo, intitolato “The Age of Intelligence”. La loro presenza era esplicitamente collegata al tema scelto da Vogue: osservare la creatività e l’artigianalità nell’epoca dell’intelligenza artificiale.
Avrebbero potuto essere soltanto un espediente spettacolare. Inserire robot in una sfilata nel 2026 garantisce fotografie, video e discussioni. Sarebbe ingenuo dimenticare anche questa componente.
Eppure l’immagine funzionava proprio perché quei robot non erano isolati. Occupavano lo stesso spazio nel quale erano appena passati abiti costruiti a mano, modelle, attori, musicisti e sportivi. Erano dentro lo stesso sistema di rappresentazione.
La tecnologia, del resto, non è più qualcosa che deve arrivare nella moda. C’è già.
Interviene nella progettazione, nella produzione, nella distribuzione, nell’analisi dei dati, nell’esperienza di acquisto e sempre di più nella costruzione delle immagini. L’intelligenza artificiale sta estendendo ulteriormente questo processo, ma sarebbe prematuro trasformare ogni cambiamento in una certezza sul destino delle professioni creative. Le conseguenze dipenderanno dagli strumenti, dai contesti nei quali verranno applicati e soprattutto dalle decisioni economiche e professionali di chi li utilizzerà.
La questione che Vogue World rendeva visibile era più sottile.
Quando strumenti differenti riescono a produrre risultati sempre più convincenti, siamo costretti a ridefinire anche ciò a cui attribuiamo valore.
Non basta più dire che qualcosa è stato fatto da una persona per stabilirne automaticamente la qualità, così come non avrebbe senso concludere che ciò che viene prodotto più rapidamente attraverso una tecnologia sia necessariamente migliore. Sono criteri differenti.
Il punto riguarda ciò che decidiamo di riconoscere nel processo creativo.
L’errore sarebbe trasformare questo passaggio in una guerra tra uomo e macchina, perché finiremmo per semplificare proprio ciò che dovremmo cercare di comprendere. La tecnologia è uno strumento umano e la storia della moda è anche una storia di innovazioni tecniche. Tessuti, macchinari, processi industriali, fotografia, comunicazione digitale ed ecommerce hanno già modificato radicalmente il settore.
La differenza attuale è che alcuni strumenti cominciano a intervenire in territori che abbiamo a lungo associato direttamente alla creatività: immaginare, comporre, rappresentare.
Questo inevitabilmente tocca anche il concetto di autorialità.
Se posso ottenere rapidamente cento variazioni di un’immagine, la scarsità non è più nell’immagine. Potrebbe tornare a essere nella capacità di scegliere, nell’intenzione, nella cultura necessaria per capire perché una soluzione abbia senso e un’altra no.
La competenza non scompare necessariamente. Potrebbe diventare meno visibile e, proprio per questo, più difficile da riconoscere.
È un problema che riguarda anche il Made in Italy.
Continuare a pronunciarne il nome non basta a conservarne il valore. Se quell’espressione possiede ancora un significato, questo dipende dalle competenze che contiene, dalla capacità di lavorare la materia, dalla qualità produttiva, dalla cultura progettuale e dalla possibilità di trasmettere tutto questo senza ridurlo alla replica nostalgica di ciò che è già stato fatto.
Il corpo come misura della differenza
Dentro lo stesso spettacolo è arrivato Roberto Bolle con la sua compagnia.
La performance nella Galleria è stata accompagnata da musica tratta dalla Traviata, reinterpretata per l’occasione dal coreografo Laccio. I costumi sono stati progettati da Rocco Iannone per Ferrari partendo espressamente dalle necessità del corpo in movimento. Iannone ha spiegato a Vogue di avere lavorato su materiali tecnici elastici e su costruzioni capaci di accompagnare il gesto senza limitarlo.
Questo passaggio, inserito poco distante dalla presenza dei robot, rendeva evidente una differenza senza bisogno di trasformarla in una competizione.
Il corpo di un danzatore professionista contiene anni di apprendimento. Quello che vediamo durante una performance è il risultato finale di un processo che ha trasformato capacità, esperienza e disciplina in movimento.
La macchina produce un altro tipo di precisione.
Metterle una accanto all’altra non obbliga a stabilire quale abbia maggiore dignità. Permette però di capire che la somiglianza del risultato visibile non rende necessariamente equivalenti i processi che lo hanno prodotto.
Ed è forse proprio qui che la moda ha ancora molto da interrogare di se stessa.
Perché la moda lavora sul corpo, ma lavora altrettanto sulla percezione. Decide continuamente che cosa rendere desiderabile, quali differenze mostrare, quali cancellare e quali trasformare in valore.
Vogue World si è concluso con Alicia Keys al pianoforte, al centro della Galleria, mentre interpretava I Feel Love di Donna Summer. Indossava una creazione di Francesco Risso per Bureau of Imagination composta utilizzando frammenti di satin, chiffon, georgette e crêpe de Chine, uniti con fili e perline. Il lungo strascico è stato dipinto a mano da Flaminia Veronesi.
Dopo robot, tecnologia e immagini proiettate verso il futuro, si tornava ancora una volta a materiali manipolati da persone.
Non credo che questo significhi che il futuro della moda debba essere cercato nel recupero del passato. Sarebbe una lettura troppo comoda. La moda è cambiamento per definizione e spesso ha prodotto le proprie forme più interessanti proprio quando qualcuno ha messo in discussione ciò che sembrava intoccabile.
Il punto semmai è un altro: innovare senza perdere la capacità di riconoscere ciò che stiamo trasformando.
Vogue World Milano ha funzionato quando ha smesso di sembrare soltanto una celebrazione e ha lasciato convivere nella stessa Galleria le contraddizioni che attraversano questo momento storico. La velocità della tecnologia e il tempo dell’artigianato. La visibilità globale delle celebrity e il lavoro quasi invisibile di chi costruisce un abito. La precisione programmata di una macchina e un corpo educato per anni al movimento.
Nessuno di questi elementi, preso da solo, racconta il futuro della moda.
Insieme, però, raccontano abbastanza bene il punto nel quale ci troviamo.
E forse la questione più concreta lasciata da quella serata riguarda proprio il valore. Non se utilizzeremo la tecnologia, perché lo stiamo già facendo, ma se continueremo a possedere gli strumenti culturali necessari per distinguere ciò che è semplicemente nuovo da ciò che aggiunge realmente qualcosa.
Per il Made in Italy potrebbe essere questa la sfida più seria. Non difendere il lavoro umano perché appartiene al passato, ma fare in modo che continui ad avere ragioni riconoscibili per appartenere al futuro.
Articolo di: Gabriele Vinciguerra
Fonti
Vogue, Read the Full Vogue World 2026: Milano Program Here, 22 settembre 2026. Programma ufficiale dello spettacolo e articolazione nei cinque atti. Fonte Vogue
Vogue, Everything You Need to Know About Vogue World: Milano, 23 settembre 2026. Fonte per il tema dell’artigianalità e del tocco umano nell’età della tecnologia, per la collocazione dell’evento nel primo giorno della Milano Fashion Week e per il quadro generale della manifestazione. Fonte Vogue
Laura Tortora, Gigi Hadid Is a Renaissance Princess in Valentino Haute Couture at Vogue World 2026: Milano, Vogue, 22 settembre 2026. Fonte per l’apertura di Gigi Hadid, la provenienza dell’abito Valentino, l’impiego di trapunte veneziane riciclate e le 1.680 ore di lavorazione manuale. Fonte Vogue
Emma Specter, See Every Celebrity Cameo From Vogue World 2026: Milano, Vogue, 22 settembre 2026. Fonte per Jennifer Lopez, Lorenzo Musetti, Cardi B, Simone Ashley, J Balvin, Adria Arjona, Ghali e gli altri protagonisti comparsi sulla passerella. Fonte Vogue
Hannah Jackson, Cardi B Is Fit to Print at Vogue World 2026: Milano, Vogue, 22 settembre 2026. Fonte per l’abito Versace primavera 2018 indossato da Cardi B e per le stampe ispirate alle copertine di Vogue. Fonte Vogue
Emma Specter, The Story Behind the Runway Robots at Vogue World 2026: Milano, Vogue, 23 settembre 2026. Fonte per i quattro robot umanoidi Unitree Robotics e per la loro presenza nel quarto atto, “The Age of Intelligence”. Fonte Vogue
Alice Abbiadati, Roberto Bolle Danced Through the Galleria in Custom Ferrari for Vogue World 2026: Milano, Vogue, 22 settembre 2026. Fonte per la performance di Roberto Bolle, la coreografia di Laccio e i costumi Ferrari progettati da Rocco Iannone in funzione del movimento. Fonte Vogue
Corinne Corci, Alicia Keys Closes Out Vogue World 2026: Milano in a Hand-Painted Dress by Francesco Risso, Vogue, 22 settembre 2026. Fonte per la performance conclusiva di Alicia Keys e per la realizzazione dell’abito di Bureau of Imagination con Francesco Risso e Flaminia Veronesi. Fonte Vogue
